Виртуальный кинозал- художественный фильм «Мусоргский»- «Иллюзион-калейдоскоп»- к Дню российского кино.

27 августа в России отмечается День российского кино — праздник профессиональных кинематографистов и всех, кто поддерживает и любит российское кино. Он установлен Указом Президиума Верховного Совета СССР № 3018-Х от 1 октября 1980 года «О праздничных и памятных днях», в редакции Указа Верховного Совета СССР № 9724-XI от 1 ноября 1988 года «О внесении изменений в законодательство СССР о праздничных и памятных днях».

В России премьера первого фильма состоялась 15 октября 1908 года. Это была лента «Понизовая вольница» режиссера Владимира Ромашкова по мотивам народной песни о Стеньке Разине «Из-за острова на стрежень». Длился первый российский фильм всего 7 минут. А одним из первых полнометражных художественных фильмов, вошедших в золотой фонд советского и мирового кинематографа, стала советская лента «Броненосец Потемкин». Этот знаменитый фильм Сергея Эйзенштейна вышел на экраны в 1926 году. Музыкально-нотный отдел предлагает посмотреть художественный фильм «Мусоргский».

Режиссер: Григорий Рошаль

Сценаристы: Григорий Рошаль, Анна Абрамова

Операторы: Моисей Магид, Лев Сокольский

Композитор: Дмитрий Кабалевский

Художники: Абрам Векслер, Николай Суворов

Актеры:

Александр Борисов, Николай Черкасов, Владимир Балашов, Андрей Попов, Юрий Леонидов, Бруно Фрейндлих, Фёдор Никитин, Любовь Орлова, Лидия Штыкан, Валентина Ушакова, Георгий Орлов, Виктор Морозов (IV), Лидия Сухаревская, В. Беззубенко, Константин Адашевский, Георгий Георгиу, Василий Софронов, Лев Фенин, Григорий Шпигель, Александра Васильева

Производство: Ленфильм

Премьера: 27 ноября 1950

Жанр: биография

О великом русском композиторе Модесте Петровиче Мусоргском (1839-1881), его сотрудничестве с «Могучей кучкой» и первой постановке на сцене Мариинского театра народно-героической драмы «Борис Годунов».

Фильм раскрывает творческий процесс работы гениального русского композитора, достоверно воспроизводит историческую обстановку, отличается высоким уровнем актёрского мастерства. Режиссёр передал связь музыки композитора, его творчества с живыми народными истоками.

Восстановлен на Мосфильме в 1973 году.

Материал подготовила и разместила Наталья Гудзь

Кино-беседа «Грузия-фильм. Воспоминания» — к 90-летию Георгия Данелия

«Люди достойны чего-то доброго, они достойны света. Или лекарства, которое бы примирило их с этой жизнью, украсило или сделало светлее. Очень многое в жизни зависит от наших глаз и от сердца. Часто мы проходим мимо, пропуская то прекрасное, что в ней есть»… (Г. Данелия).

90 лет назад, 25 августа, родился великий режиссер Георгий Данелия. Сам он как-то сказал, что его жизнь – это его фильмы. Поэтому в день рождения мастера расскажем о том, как создавались его самые известные картины.

      Георгий Николаевич Данелия  (груз. 25 августа 1930, Тифлис — 4 апреля 2019, Москва) — советский и российский кинорежиссёр, сценарист и мемуарист. Народный артист СССР (1989). Лауреат Государственной премии СССР (1978), Государственной премии РСФСР имени братьев Васильевых (1981) и Государственной премии РФ (1997).

Фильмография.

   “В каждом герое моих фильмов есть черты, присущие мне”.  (Г. Данелия).

1960 — «Серёжа»

1963 — «Я шагаю по Москве»

1965 — «Тридцать три»

1969 — «Не горюй!»

1971 — «Джентльмены удачи»

1975 — «Афоня»

1977 — «Мимино»

1979 — «Осенний марафон»

1982 — «Слёзы капали»

1986 — «Кин-дза-дза!»

1990 — «Паспорт»

1993 — «Настя»

1995 — «Орёл и решка»

2000 — «Фортуна»

Серёжа (1960).

Первые же ленты заставили уважать молодого режиссера. Картину «Сережа», получившую несколько престижных наград, Данелия снимал совместно с Игорем Таланкиным. В этой работе чувствовались свежее дыхание и новаторский подход.

«Я шагаю по Москве» (1963).

     А в 1964 году на экраны вышла картина Георгия Данелии «Я шагаю по Москве». Молодой режиссер проснулся знаменитым. Эта лента, вышедшая во время хрущевской оттепели, становится культурным событием и открытием года.  А ведь когда Георгий Данелия принёс в Госкино готовый фильм, , поначалу забраковали со словами: «Непонятно, о чём фильм». «Это комедия», — ответил Данелия. «А почему не смешно?» — спросили. «Потому что это лирическая комедия» — поясеил режиссёр. Так в советском кино возник новый жанр. А позже в титрах к фильму «Джентельмены удачи» сценарист  Георгий Данелия подписал: «Нелирическая комедия».

      На роль главного героя в фильме «Я шагаю по Москве» пробовались известные и неизвестные актеры. И вот однажды Андрей Кончаловский привел на площадку своего брата Никиту. Посмотрев на широкоплечего парня, Данелия понял, что главный герой найден – молодой Михалков идеально вписывался в сюжет. Но спустя некоторое время начинающий актер начал требовать повышения зарплаты – ведь именно ему досталась основная роль. Данелия заявил, что готов отказаться от его услуг, и тогда Никита признался, что «нехорошему» научил его старший брат Андрей.

«Тридцать три» (1965).

      В следующем году на экраны страны вышел фильм «Тридцать три». Этой работой Данелия сразу же завоевал себе нишу нового мастера советской комедии. Особо надо отметить талант режиссера к созданию слаженного ансамбля из отличающихся актеров, принадлежащих к разным школам и поколениям.   Одним из талисманов режиссёра был Евгений Леонов.  Впервые он снял его в комедии «Тридцать три», а потом снимал почти в каждом фильме до самой смерти актёра. На пробах актёр Данелии очень не понравился, показался «жмотом и жлобом», который с порога запросил повышенную ставку. Но потом он изменил мнение об актёре — Леонов прочитал сценарий и сказал, что в таком фильме готов сниматься хоть бесплатно… После съёмок они стали друзьями на всю жизнь. В каждом фильме Леонов пел песню про «Марусеньку». Георгий Данелия выучил её на военных сборах, и когда для одной из сцен в комедии «Тридцать три» понадобилась какая-то песня — он долго не раздумывал. Это была единственная песня, слова которой он знал от начала до конца.

«Не горюй! (1969).

      «Не горюй!» — комедийно-драматический художественный фильм. Фильм представляет собой вольную экранизацию романа французского писателя Клода Тилье «Мой дядя Бенжамен», перенесённую в Грузию конца XIX — начала XX века.    В титрах многих фильмов Данелии указан актёр Р. (Рене) Хобуа. При этом нигде не указано кого же конкретно он играл. Это неудивительно, так как Хобуа никогда не снимался в кино… Когда Георгий Данелия и Резо Габриадзе писали сценарий к фильму «Не горюй!», то заспорили о развитии событий в сюжете и сделали несколько вариантов. Экспертом решили назначить кого-то из случайных людей, не связанных с кино… Вот буквально кого встретят — того и спросят. Этим случайным знакомым оказался строитель Рене Хобуа.
Сценаристы попросили его выслушать разные варианты и сказать, какой из них лучше. После нескольких часов Хобуа умолял отпустить его, перестал понимать русский язык и жаловался, что опаздывает чуть ли не к министру. Сценаристы сжалились над «экспертом», а в качестве компенсации вписали его в титры. Потом «Р. Хобуа» стал ещё одним своеобразным талисманом фильмов Данелии.

«Джентельмены удачи» (1971).

      Режиссёр фильма Александр Серый сам побывал в местах заключения и уголовный жаргон знал не понаслышке. Один из сценаристов фильма, Георгий Данелия, решил помочь коллеге, недавно вернувшемуся из-за решётки, в творчестве и совместно с Викторией Токаревой написал сценарий. Также он принял активное участие в подборе актёров и съёмках фильма. Свою роль в создании фильма Георгий Данелия охарактеризовал как «художественный руководитель», хотя режиссёром оставался Александр Серый. Картина имела огромный успех в прокате и стала любимой на все времена. Многие реплики из фильма стали крылатыми фразами.

«Афоня» (1975).

      Мир Афони и его окружения создан Г. Данелией так зримо, так ярко и убедительно, что мы вправе потребовать от авторов ответа на вопрос: а сможет ли Афоня найти в себе силы, чтобы преодолеть самого себя, чтобы стать человеком? Данелия показал нам, насколько страшен такой человек. Пусть он еще и не превратился в Федула, окончательно потерявшего человеческий облик. Но ему предстоит преодолеть куда более далекое расстояние на пути к Афанасию.

«Мимино» (1977).

       По словам Вахтанга Кикабидзе, исполнителя главной роли, в «Мимино» Данелии «удалось выразить мысль о незыблемой связи человека с землёй, на которой он вырос, о корнях, без которых ему невозможно жить».

      Образ юного адвоката из фильма «Мимино» Георгий Данелия списал с собственной дочери и даже дал её имя — Светлана Георгиевна. Она закончила юридический институт и начала адвокатскую практику, но выглядела очень молодо, и никто её всерьез не воспринимал. Первым подзащитным стал внушительный рецидивист из Бутырской тюрьмы. Когда адвоката впервые оставили один на один с подзащитным — девушка от волнения забыла всё, чему учили в институте, и выглядела так испуганно, что рецидивист сам начал ей подсказывать, что она должна у него спрашивать…

«Осенний марафон» (1979).

      В 1979 году вышла замечательная комедийная мелодрама Данелии «Осенний марафон». Впервые Георгий Николаевич пригласил в фильм Олега Басилашвили. Надо сказать, что в жизни артист такой же решительный и напористый, как и его герой в «Служебном романе». И лишь Данелия сумел рассмотреть в актере черты, которые позволили воплотить в Басилашвили образ неуверенного, слабохарактерного интеллигента Бузыкина, разрывающегося между двумя женщинами. Зрители впервые увидели другую, непривычную грань таланта Олега Басилашвили.   Когда Георгий Данелия закончил съёмки фильма «Осенний марафон», то очень волновался насчёт финала — вдруг цензоры решат, что Бузыкин с иностранным профессором убегают в Данию? И к финалу действительно возникли претензии — в Госкино потребовали наказать героя, ну или хотя бы удлинить финальный крупный план, чтобы вымученное лицо было повыразительнее. Данелия ничего править не стал, но, когда снова принёс материал, соврал, что добавил секунды. «Вот! Теперь стало лучше!», — сказали в Госкино и подписали документы.

«Кин-дза-дза!» (1986).

      В 1986 году вышел легендарный фильм Данелии «Кин-дза-дза!». Лента в перестроечные годы, да и сегодня, имела огромный успех. Использование в комедии научной фантастики было новаторским для советского кинематографа. Актерский состав был подобран гениально. Эта антиутопия сразу же оказалась разобрана на цитаты.   Декорации и реквизит для фильма «Кин-Дза-Дза!» собирали из хлама в прямом смысле — что-то нашли на свалках, что-то купили на барахолке. В результате всё выглядело очень живописно и антиутопично, как и было задумано. После выхода фильма к Георгию Данелии обратился американский режиссёр с предложением сделать спецэффекты для его фильма — очень уж его впечталил летающий «пепелац». Данелия сотрудничество не рассматривал, поэтому сказал, что это не спецэффекты, а настоящий летающий пепелац. Это разработки военных, и лучше обратиться к ним, так как скорее всего устройство пепелаца — военная тайна. Потом режиссёру позвонили из Министерства обороны и попросили больше не валять дурака…      В сатирической комедии «Кин-дза-дза» Данелия сам сыграл одну из ролей. Мало кто знает, но сделал он это не по собственному желанию, а по необходимости. Роль изначально предназначалась Норберту Кухинке, тому самому профессору Хансену из «Осеннего марафона». Но кинематографическое руководство узнало, что Кухинке живет уже не в ГДР, а в ФРГ, поэтому его кандидатуру завернули. Быстро найти нового актера не получилось, съемочный процесс затягивать было нельзя, поэтому Данелия сыграл в своем фильме сам.

Персонажи Г.Данелия в своих фильмах.

     Георгий Данелия снялся в одиннадцати своих фильмах, но найти его среди эпизодических персонажей иногда очень сложно. Режиссёра можно заметить в фильмах: «Я шагаю по Москве» — чистильщик обуви, «Мимино» — командир экипажа, «Кин-Дза-Дза!» — Абрадокс с планеты Альфа, «Осенний марафон!» — немецкий офицер в кино по телевизору, «Орёл и решка» — инженер-конструктор, «Паспорт» — араб с осликом, «Фортуна» — вор в законе и других.

Книгу Г. Данелия «Безбилетный пассажир: «байки» кинорежиссёра», цитату из которой вы прочитали в заключении нашего обзора, вы можете найти в нашем музыкально-нотном отделе. Это не мемуары в привычном понимании слова, а скорее короткометражные истории из жизни гениального режиссёра, то смешные, то грустные — очень похожие на его фильмы.

«А мне кажется, жизнь – полустанок: ехал в поезде, сошел на полустанке, потом поедешь дальше. Только, пока ты на полустанке, ты не помнишь предыдущего пути и не знаешь, что будет потом. А там, в поезде, ты снова встретишь тех, кого хочешь встретить… Мне повезло, я хочу встретить многих».(Цитата из книги Г. Данелия «Безбилетный пассажир»).

Г. Данелия «Безбилетный пассажир: «байки» кинорежиссёра». — М.: Изд-во Эксмо, 2000. — 416с., илл.

Материал подготовила главный библиотекарь Беспалова Л.Г.

Викторина «Я флагом России горжусь».

22 августа в России отмечается День Государственного флага Российской Федерации. К Государственному флагу России, официальному атрибуту государства – самое серьёзное отношение, уважение, почитание. Что мы знаем о Государственном флаге Российской Федерации?

Это можно выяснить, ответив на вопросы викторины:

1. Что такое «Государственный флаг»?

2. Как в старые времена на Руси назывался флаг?

3. Назовите документ, который официально установил 22 августа, Днем
Государственного флага Российской Федерации?


4. Как выглядел предшественник современного триколора?


5. Какие цвета согласно Постановлению от 22 августа 1991 г. принято считать
Государственным флагом РФ?


6. Согласно указу Петра I от 31 января 1705 г. на чем необходимо было поднимать триколор?

7. В царствование какого царя впервые был поднят бело-сине- красный флаг на
первом русском корабле Орел»?

8. Что означают цвета российского флага?

9. Когда впервые триколор приобрел официальный статус российского флага?


10. Назовите по чьей инициативе триколор на государственном флаге был заменен на революционно-красное полотнище?

11. Что было изображено на флаге СССР?

12. Когда в Москве впервые был официально поднят трехцветный российский флаг? (Он заменил в качестве государственного символа красное полотнище с серпом и молотом).
13. Назовите правильное расположение цветов Российского флага, начиная с
нижней полосы.
14. Возможно ли использование российского флага как элемент или фон логотипов коммерческих организаций?
15. В каком документе описан современный флаг РФ и его официальное
использование?

Ответы

1. Один из символов государства, символ государственного и национального
суверенитета, отличительный знак государства

2. Стяг
3. Указ Президента РФ № 1714 от 20 августа 1994 г.

4. Красное полотнище с серпом и молотом

5. «Полотнище из … белой, лазоревой, алой полос».

6. «На торговых всяких судах»

7. Алексей Михайлович

8. Две версии: По одной, белый означает свободу, синий — Богородицу,
покровительствующую России, красный — державность. Другая версия: белый символизирует благородство, синий — честность и верность, а красный — смелость, мужество и великодушие, присущие русским людям.

9. В царствование Николая II, в 1896 г.

10. Яков Свердлов

11.Красная пятиконечная звезда, серп и молот

12. 22 августа 1991 года

13. Красный, синий, белый

14. Нет

15. Федеральный конституционный закон «О государственном флаге Российской Федерации» от 25.12.2000 г.

Материал подготовила и разместила Наталья Гудзь

The history of British Rock Music

British rock describes a wide variety of forms of music made in the United Kingdom. There are many bands that have reached fame all around the world, but British bands are said to be the most significant and most influential. During the 1950’s, Britain was well positioned to take in American rock and roll music culture since they both shared the same terminology. During the stated period, American rock and roll acts such as Elvis Presley, Little Richard and Buddy Holly became major forces in the British charts. The British bands were heavy worked by American groups of the epoch, such as Buddy Holly and the Crickets, as easily as earlier British groups such as The Shadows.

During the mid to late 1960’s, developed a new sub-genre, called the British folk rock. It used traditional English music as its basis. The British folk rock became influential in those parts of the world with close cultural connections to Britain, such as the USA and Canada and gave rise to the sub-genre of Medieval folk rock and the fusion genres of folk punk and folk metal. After the national success of the Beatles in Britain from 1962, a number of Liverpool performers were able to adopt them into the charts, including Gerry & The Pacemakers, The Searchers, and Cilla Black. In parallel with beat music, in the late 1950s and early 1960s a British blues scene was developing recreating the sounds of American R&B and later particularly the sounds of bluesmen Robert Johnson, Howlin’ Wolf, and Muddy Waters.

British band Black Sabbath created another sub-genre of hard rock called «heavy metal», with hard-rock guitar riffs and power chords over rolling drumbeats and a very heavy bass sound. Singer Ozzy Osbourne’s vocals, often about dark topics like violence, war and death, were screamed over the music’s thick wall of sound. Heavy metal is still popular today, and its fans, nearly all of whom are boys and young men, love nodding and punching their fists into the air to the beat of the music. Later heavy metal bands included British bands Judas Priest, Iron Maiden and Motorhead, and American bands Motley Crue, Metallica and Megadeath. Dozens of sub-genres like «thrash metal» and «death metal» have also developed more recently.

Glam rock developed in the UK during the early 1970’s. It was characterized by “outrageous” clothes, makeup, hairstyles, and platform-soled boots. Pioneers of the genre included David Bowie, Roxy Music, Mott the Hoople, Marc Bolan and T. Rex. These, and many other acts straddled the divide between pop and rock music, managing to maintain a level of respectability with rock audiences, while enjoying success in the UK singles chart, including Queen and Elton John. The Punk Rock developed between 1974 and 1976, originally in the United States where it was rooted in garage rock. By the early 1970s, rock music had become more mainstream, and internationalized, with many British acts becoming massively successful in the United States and globally. Punk rock developed between 1974 and 1976, originally in the United States, where it was rooted in garage rock, and other forms of what is now known as protopunk music. The first punk band is usually thought to be the Ramones from 1976. This was taken up in Britain by bands also influenced by the pub rock scene, like the Sex Pistols, The Clash and The Damned, particularly in London, who became the vanguard of a new musical and cultural movement, blending simple aggressive sounds and lyrics with clothing styles and a variety of anti-authoritarian ideologies.

Книги из фонда музыкально-нотного отдела ЦГБ им.Горького

А new genre known as «hard rock» was developing in the US city of Detroit, the Stooges and MC5 were creating some of the hardest, loudest and roughest rock music ever made. They didn’t sell many records, but their music had a huge influence on later styles of rock. A hard rock band that did sell lots of records was the British group Led Zeppelin, who had seven consecutive number-one albums during the 70s. Other hard rock bands included Deep Purple, Guns and Roses, Aerosmith and AC/DC. A sub-genre of hard rock called «boogie» became popular in the early 70s. Many progressive rock bands had incorporated synthesizers into their sound, including Pink Floyd, Yes, Depeche Mode and Genesis. Electro is a term that falls in and out of fashion. In the mid Noughties it’s a kind of dance music. But in the early 1980s – in Britain at least – it referred to bands whose music which was often songs, rather than instrumentals, was made mostly with synthesisers. The artists often had connections to the New Romantics and the post-punks; since it developed from both of those and the dark overtones of the lyrics forged a connection with the emerging Goth scene. But it was the use of electronic keyboards as the main instruments that set it apart.

Книги из фонда музыкально-нотного отдела ЦГБ им.Горького

Britpop emerged from the British independent music scene of the early 1990s and was characterised by bands influenced by British guitar pop music of the 1960s and 1970s. New British groups such as Suede and Blur launched the movement by positioning themselves as opposing musical forces, referencing British guitar music of the past and writing about uniquely British topics and concerns. These bands were soon joined by others including Oasis, Pulp, Supergrass, The Boo Radleys, Kula Shaker, Ash, Ocean Colour Scene and Elastica. Britpop groups brought British alternative rock into the mainstream and formed the backbone of a larger British cultural movement called Cool Britannia. Although its more popular bands were able to spread their commercial success overseas, especially to the United States, the movement largely fell apart by the end of the decade.

From about 1997, as dissatisfaction grew with the concept of Cool Britannia, and Britpop as a movement began to dissolve, emerging bands began to avoid the Britpop label while still producing music derived from it. Many of these bands tended to mix elements of British traditional rock (or British trad rock), particularly the Beatles, Rolling Stones and Small Faces,with American influences, including post-grunge.Radiohead, Placebo and Post-Britpop bands like The Verve, Travis, Stereophonics, Feeder, and particularly Coldplay, achieved much wider international success than most of the Britpop groups that had preceded them, and were some of the most commercially successful acts of the late 1990s and early 2000s.

In the 2000s British indie rock experienced a resurgence. Like modern American alternative rock, many British indie bands such as Franz Ferdinand, The Libertines and Bloc Party drew influences from post-punk groups such as Joy Division, Wire, and Gang of Four. Other prominent independent rock bands in the 2000s include: Editors, The Fratellis, Lostprophets, Razorlight, Keane, Kaiser Chiefs, Muse, Kasabian, The Cribs, The Maccabees, The Kooks and Arctic Monkeys.

With developments in computer technology and music software advanced, it became possible to create high quality music using little more than a single laptop computer. This resulted in a massive increase in the amount of home-produced electronic music available to the general public via the expanding internet, and new forms of performance such as laptronica and live coding.In Britain the combination of indie with American pioneered dance-punk was dubbed new rave in publicity for Klaxons and the term was picked up and applied by the NME to a number of bands, including Trash Fashion, New Young Pony Club, Hadouken!, Late of the Pier, Test Icicles, and Shitdisco forming a scene with a similar visual aesthetic to earlier raves.

Rock albums.

  • The BeatlesRubber Soul, Revolver, Rolling StonesLet It Bleed
  • CreamDisraeli Gears, Jimi HendrixAre You Experienced, Axis
  • Velvet Undergroundwith Nico, CanEge Bamyasi, Pink FloydMeddle
  • The DoorsThe Doors, Neil YoungEverybody Knows This Is Nowhere
  • CCRWilly and the Poor Boys, John LennonPlastic Ono Band, Imagine
  • Black SabbathParanoid, Led ZeppelinIV, The StoogesFunhouse
  • BowieAladdin Sane, EnoAnother Green World, Patti SmithHorses
  • The ClashLondon Calling, BlondieParallel Lines, SaintsEternally Yours
  • Pere UbuThe Modern Dance, U2War, Primal ScreamScreamadelica
  • Pearl JamTen, NirvanaNevermind, My Bloody ValentineLoveless
  • OasisDefinitely Maybe, RadioheadThe Bends, Flaming LipsSoft Bulletin
  • Nick CaveLet Love In, PJ HarveyTo Bring You My Love, StrokesIs This It
  • White StripesElephant, Black KeysTurn Blue, SwansTo Be Kind, BJMRevelation
Книги из фонда музыкально-нотного отдела ЦГБ им.Горького

Quiz Game. Answer the following questions

  1. What kind of rock was the most famous in the 1960s?
  2. Who had created a new genre of hard rock called «heavy metal»?
  3. Would you name the pioneers of glam rock?
  4. What are the most famous British hard rock bands?
  5. What are the main characteristics of electronic rock?
  6. Are there any differences between old-fashioned rock and modern rock?
  7. Would you name any albums of British rock bands?

Загадка музыкальной истории — Антонио Сальери.

Антонио Сальери. 270 лет со дня рождения композитора.

      18 августа 1750 года родился Антонио Сальери, один из самых уважаемых композиторов своей эпохи, почитаемый при императорском дворе в Вене, оставивший после себя множество талантливых учеников (Бетховен, Шуберт, Лист, сын Моцарта Франц Ксавер Вольфганг, Франц Зюсмайер).
     Творчество Антонио Сальери на очень долгое время оказалось забытым не только с точки зрения исполнительства, но и со стороны музыковедения. Однако начиная с 20 века ситуация начала постепенно меняться: оперы вновь стали появляться на сценах театров, стали публиковаться статьи и исследования, посвященные жизни и творчеству композитора. Конечно, в большей степени это коснулось Европы, где миф о Сальери не так «влиятелен», как в России. Но и в нашей стране, хоть и не так часто, как «там», музыка Сальери  начинает звучать.

      Представляем Вашему вниманию книги о творчестве Антонио Сальери: в книге М.Корти «Сальери и Моцарт» вы найдёте большой фактический материал, обилие привлекаемых точек зрения, версий, инерпретаций. Лёгкое, почти детективное изложение, делает книгу  увлекательной и познавательной для любого человека, интересующегося историей культуры. Л. С. Мархасёв в своём сборнике «Любимые и другие: пёстрая книга о музыке», посвящённым великим композиторам, раскрывает  вопросы обвинительного приговора и реабилитации А.Сальери. Также у нас вы можете ознакомиться с нотными изданиями, где представлены произведение А.Сальери «Viva, viva!» , Симфония №19 и Реквиум.

      Также мы хотим представить вашему вниманию презентацию, посвящённую 270-летию со дня рождения композитора «Загадка музыкальной истории — Антонио Сальери». Во время просмотра презентации вам предоставится прекрасная возможность насладиться творчеством А. Сальери, послушав Концерт  для фортепиано с оркестром До мажор.

Материал подготовила главный библиотекарь Беспалова Л.Г.

«Кумиры эпохи» — Олег Табаков — к 85-летию артиста.

“Если бы мне не давали играть, я бы сам платил деньги, лишь бы выйти на сцену”.  (О. П. Табаков).

 Олег Павлович Табаков – советский и российский актер, режиссер и педагог, актер озвучивания, один из основателей театра «Современник», руководитель театра «Табакерка» и МХТ им. Чехова, ректор Школы-студии МХАТ (1986 – 2000).

От лежащего на диване дворянина Обломова до строгой домоправительницы мисс Юфимии Эндрю — Олегу Табакову была под силу любая роль. Коллеги называли его ласково, как мама, Лёликом, а дети знали, что его голосом разговаривает кот Матроскин в мультфильмах о Простоквашино. Актер руководил сразу двумя театрами — МХТ имени А.П. Чехова и собственным театром-студией. Легендарная «Табакерка» подарила российской культуре целое поколение талантливых артистов.

Детство и юношеские годы

Олег Павлович Табаков родился 18 августа 1935 года в семье врачей Павла Кондратьевича Табакова и Марии Андреевны Березовской. Свое детство будущий актер и худрук провел в коммунальной квартире и уже с детства знал, какую цену имеет рубль, заработанный взрослыми, как честность, доброта и трудолюбие близких соседствуют с лицемерием, ханжеством и приспособленчеством общества.      Родители будущего актера, Павел Табаков и Мария Березовская, работали врачами. Как вспоминал Олег Табаков, в детстве его окружали только любящие люди — бабушки Ольга и Анна, дядя и тетя, двоюродный брат и сводная сестра. Все вместе они жили в коммунальной квартире в Саратове. В четыре года Олег уже умел читать. Он по несколько раз перечитывал любимые книги, тексты которых потом помнил наизусть, — «Робинзона Крузо» Даниэля Дефо, «Мертвые души» Николая Гоголя, книгу Эля Регистана «Стальной коготь».

     В первые дни Великой Отечественной войны отец добровольно ушел на фронт, а в конце 1942 года мать заболела брюшным тифом и долго потом не могла восстановиться. Выздоровев, вместе с семилетним Олегом и дочерью Миррой они перебрались в Эльтон — городок на границе с Казахстаном. Здесь мальчик пошел в школу и впервые принял участие в театральном представлении. Это была небольшая сценка для раненых военных.      После войны Табаковы вернулись в Саратов, но уже без отца: родители разошлись. Олег продолжил обучение в мужской средней школе. В свободное время он собирал книги, в которых знакомился с произведениями отечественных и зарубежных писателей: Проспера Мериме, Ильфа и Петрова, Виктора Ардова, Алексея Толстого. Помимо чтения, Табаков увлекался театром — часто посещал саратовский ТЮЗ, чей репертуар знал наизусть.

     “Неописуемое блаженство — взять книгу, развести в банке варенье, прихватить насушенных мамой сухариков, намазать их масло…нет, никогда уже не испытать этой беззаботной радости! И никогда уже не прочитать столько, сколько было прочитано в те годы”. (Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»).

В 1952 году, за год до окончания школы, Табаков стал готовиться к поступлению в театральный институт. Тонкости профессии он штудировал по книге Михаила Чехова «Путь актера». Родственники отговаривали: мать мечтала, чтобы сын пошел по их стопам и стал врачом. Семья переживала, что мальчика из провинциального драмкружка вряд ли ждет удача в столице.     “На вокзале меня провожала довольно пестрая толпа «поклонников» — одноклассники, родственники. Было ощущение, что еду завоевывать мир. Кто-то из случайных прохожих-знакомых крикнул: «Лёлик, куда едешь?» Я прокричал в ответ: «Еду учиться на тракториста!» Думаю, что из всей моей саратовской родни только один человек молился за то, чтобы я не поступил, — баба Аня. Желая мне добра”. (Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»).       Олег Табаков подал заявление в ГИТИС и Школу-студию МХАТ. Приняли Табакова сразу в два училища, но он выбрал Школу-студию МХАТ. В первом же семестре Табаков-студент лишился стипендии и общежития: не смог сдать экзаменационное сочинение. На некоторое время он подселился в квартиру к знакомому в Большом Харитоньевском переулке.

          «Удивительно, как в жизни все сходится. Примерно в ста метрах от моего первого московского пристанища находился угольный подвал — склад, который через двадцать пять лет стал сценой и залом «Табакерки»…» — вспоминал актер.

     Табаков учился на курсе народного артиста СССР Василия Топоркова, был отличником. В студенческих спектаклях ему в основном доставались роли положительных героев. Когда он сыграл Хлестакова из гоголевского «Ревизора», один из преподавателей сказал: «Оказывается, в вас дремал прекрасный комедийный актер».

Личная жизнь.

В 1958 году на съемках фильма «Дом у дороги» режиссера Ирины Поплавской Олег Табаков познакомился с молодой актрисой Людмилой Крыловой. Она рассказывала: «Как сейчас помню — пустая гримерная, спиной стоит женщина в белом халате, в кресле сидит человек, вижу в зеркале его отражение и чуть не падаю! Задрожали коленки, застучали зубы. Меня словно колотит! Такого ощущения не испытывала никогда!»     В конце следующего года они сыграли свадьбу, а летом 1960 года у пары родился первенец Антон. Через шесть лет появилась дочь Александра.

В 1981 году Олег Табаков познакомился в ГИТИСе с 16-летней Мариной Зудиной — она пришла поступать на его курс. Несмотря на разницу в возрасте, между ними начался роман, и в 1995 году они поженились. В этом браке родилось двое детей: сын и дочь.

      “Вообще, семейная жизнь — вопрос деликатный, и я никогда не стану выносить на публику подробности такого свойства. А по сюжету, ну что же… Мы прожили тридцать лет и три года, почти по стихотворному пушкинскому эпосу. Другое дело, сколько я нагрешил и какова моя вина перед Людмилой… Единственное, что могу сказать: я старался не делать больно”. (Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»).

«Подвальный» театр «Табакерка».

     В 1976 году Олег Табаков покинул пост директора «Современника», но продолжал играть в спектаклях.  На базе ГИТИСа Табаков набирал студентов. Его курс отличался от традиционного преподавания: здесь читали «запрещенку», встречались с Владимиром Высоцким и Булатом Окуджавой, ежедневно играли в спектаклях. Вместе с новыми молодыми артистами, среди которых были Игорь Нефедов, Лариса Кузнецова, Алексей Якубов, Андрей Смоляков, Табаков уверенно шел к своей мечте — создать театральную студию, будущую «Табакерку».     Летом 1977 года в старом угольном подвале дома на улице Чаплыгина началась генеральная уборка. Силами актеров-волонтеров и личной финансовой помощи Табакова помещение, в котором раньше ночевали бездомные, превратилось в площадку для репетиций. 29 октября 1978 года в скромном, но чистом здании состоялась премьера «С весной я вернусь к тебе» в постановке Валерия Фокина.     Спектакли в «подвальном» театре проходили регулярно, появились постоянные зрители — однако это не помешало в 1980 году властям запретить театральную деятельность. Выпускники разошлись по разным театрам, но в 1982 году Олег Табаков набрал новый курс, который стал основной труппой театра. Среди новобранцев были Марина Зудина, Сергей Беляев, Алексей Серебряков, Александр Мохов.

     «В 87-м сбылась, хоть и с опозданием в семь лет, моя мечта о собственном театре. О большой семье, где много детей и где «все по справедливости», — вспоминал Олег Табаков. Театр-студию «Табакерка» признали официально.    

     В 1988 году Олег Табаков стал народным артистом СССР. Спектакли в «Табакерке» начали ставить уже вчерашние студенты. Сам же Табаков еще руководил совместной  аспирантской программой Школы-студии и Университета Карнеги Меллон в США, в 1992 году в Бостоне по его инициативе основали Летнюю актерскую школу имени Станиславского.

“За четверть века занятий педагогикой из числа моих учеников вышло 25 заслуженных артистов России. А среди них еще есть люди, которые получают призы на кинофестивалях, «Маски», «Ники», «Турандоты», государственные премии и т. д. Значит, почти все, кого я отчислял со своих курсов, закончили образование в других вузах. Среди них некоторые даже стали заслуженными артистами”. (Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»).

Интересные факты об Олеге Табакове:

1. Дедушка Табакова по матери, Андрей Францевич Пионтковский, был владельцем одного из самых крупных имений в Одесской губернии, а прапрадед копал окопы еще во время Англо-французской войны.

2. Одногруппниками Табакова в Школе-студии МХАТ были Олег Анофриев и Валентин Гафт. На курс старше учился Лев Дуров.

3. В 1964 году Табаков попал с инфарктом в больницу. Вскоре его перевели в Боткинскую больницу, где в это же время находилась Анна Ахматова.

4. Во время записи радиопередач Олегу Табакову удалось поработать с Фаиной Раневской, а позднее — с Аркадием Райкиным: «И снова я ощутил восторг, оттого что совсем рядом со мной, по другую сторону микрофона, стоит великий артист. Оттого что нас связывает общее дело. От незабываемого чувства сотворчества, сотоварищества».

5. Во время презентации в Дели фильма «Свой среди чужих, чужой среди своих» Табаков познакомился с Индирой Ганди, встретился с индийским режиссером Сатьяджитом Реем, польским сценаристом Кшиштофом Занусси, американским кинорежиссером Фрэнком Капрой, а, также,  побывал на приеме у легенды индийского кино Раджа Капура.

6. В сериале «Семнадцать мгновений весны» 1973 года Олег Табаков сыграл начальника внешней разведки службы безопасности Германии Вальтера Шелленберга. После выхода фильма ему пришло письмо из Германии от племянницы Вальтера с комплиментами и благодарностями за созданный им образ ее «доброго дяди».

Фильмография: актёр.

  • Андерсен. Жизнь без любви (2006)
  • Есенин (2005), сериал
  • Статский советник (2005)
  • Подари мне лунный свет (2001)
  • Московские каникулы (1995)
  • Ширли-мырли (1995)
  • Любовь с привилегиями (1989)
  • Раз, два горе — не беда! (1988)
  • Очи черные (1987) /Oci ciornie/
  • Человек с бульвара Капуцинов (1987)
  • Если можешь, прости (1984)
  • Али-баба и сорок разбойников (1983)
  • Мэри Поппинс, до свидания! (1983)
  • Полеты во сне и наяву (1982)
  • Ах, водевиль, водевиль (1979)
  • Москва слезам не верит (1979)
  • Несколько дней из жизни И.И.Обломова (1979)
  • Д`Артаньян и три мушкетера (1978)
  • Из записок Лопахина (1978)
  • Двенадцать стульев (1977)
  • Неоконченная пьеса для механического пианино (1977)
  • Розыгрыш (1977)
  • Сказ про то, как царь Петр арапа женил (1976)
  • Каштанка (1975)
  • Семнадцать мгновений весны (1973)
  • Достояние республики (1972)
  • Война и мир (1967)
  • Выстрел (1966)
  • Война и мир (1965)
  • Живые и мертвые (1963)
  • Тугой узел (1957)

Фильмография: озвучивание.

  • Трое из Простоквашино (1978)
  • Каникулы в Простоквашино (1980)
  • Зима в Простоквашино (1984)

Награды и звания.

  • Государственная премия СССР за исполнение роли Александра Федоровича Адуева в спектакле «Обыкновенная история» (1967)
  • Орден «Знак Почета» (1967)
  • Премия Московского комсомола (1967)
  • Заслуженный артист РСФСР (1969)
  • Народный артист РСФСР (1977)
  • Орден Трудового Красного Знамени (1982)
  • Народный артист СССР (1988)
  • Орден Дружбы народов (1993)
  • Государственная премия РФ (1997)
  • Премия Президента Российской Федерации в области литературы и искусства (2002)
  • Премия «Чайка» в номинации «Патриарх»
  • Премия «Хрустальная Турандот» в номинации «За доблестное служение искусству»
  • Орден «За заслуги перед Отечеством» I степени — за выдающийся вклад в развитие отечественного театрального искусства и многолетнюю творческую деятельность (2010)
  • Российская национальная театральная премия «Золотая маска» в почетной номинации «За выдающийся вклад в развитие театрального искусства» (2017).

“Я думаю, что до тех пор, пока у зрителей сегодняшней России будет потребность, согласно рецепту, выписанному Александром Сергеевичем Пушкиным, — «над вымыслом слезами обольюсь». Вот до той поры будет жив театр”.  (О. Табаков).

Материал подготовила главный библиотекарь МНО Беспалова Л.Г.

Виртуальный концерт «Жемчужины барокко»

Дорогие друзья музыкально-нотного отдела! Наши читатель, преподаватель ДШИ №2 им.Артамонова Татевик Геворгян (вокал) любезно предоставила запись концерта для нас «Жемчужины барокко». Татевик часто выступает вместе со своими учащимися в нашей библиотеке. А также в этом году предоставила много работ с учениками в дистанционном формате. Молодой талантливый преподаватель вокального отделения сегодня делится с нами своим исполнительским творчеством. Партия фортепиано — Нина Голова. Мы рады приветствовать выступление наших читателей. Надеемся, что концерт понравится всем, кто не равнодушен к вокальной музыке XVII — XVIII века.

Эпоха барокко всегда волнует любителей музыки своим непостижимым очарованием, бережным отношением к гармонии, отточенными формами. Прекрасное bel canto в обрамлении чудесных музыкальных инструментов эпохи барокко нам представляют музыкальные идеи композиторов как бы обрамлённые в великолепную раму времени.

Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы», с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации. Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов и обычно была значительно более сложна для исполнения, чем музыка Ренессанса, несмотря на то, что детальная запись партий для инструментов была одним из самых главных нововведений периода барокко. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации .

Георг Фридрих Гендель — один из ярчайших представителей музыки барокко в Германии и Англии. Хотя обучение композитора проходило в Германии и Италии. А родился он в Германии в один год с Иоганном Себастьяном Бахом и Доменико Скарлатти. Был знаком с Алессандро и Доменико Скарлатти, Арканджело Корелли, Бенедетто Марчелло. Lascia ch’io pianga — ария Альмирены из оперы «Ринальдо» (композитор Георг Фридрих Гендель). Альмирена — дочь Готфрида Бульонского, возглавляющего Первый крестовый поход, а также возлюбленная рыцаря Ринальдо, обещанная ему в жены после взятия Иерусалима. Аргант, царь осажденного Иерусалима, призвал на помощь волшебницу Армиду, царицу Дамаска. Та понимает, что успех рыцарей зависит от Ринальдо, и похищает Альмирену прямо из его объятий. В своей знаменитой арии страдающая в плену Альмирена оплакивает свою судьбу в садах Армиды, чем трогает сердце Арганта. Изначально мелодия была написана ещё для танца в опере «Альмира, королева Кастильская», затем она стала арией Наслаждения «Lascia la spina» в оратории «Триумф Времени и Разочарования», и лишь после этого стала арией Альмирены. В фильме «Фаринелли-кастрат» (1994 г.) эту арию поёт сам Фаринелли, хотя он эту арию никогда не пел, да и ария написана для сопрано.

Оригинал (итальянский):
Джакомо РоссиПеревод на русский:
Александр Кузьмин
Lascia ch’io pianga mia cruda sorte,
e che sospiri la libertà.

Il duolo infranga queste ritorte
de’ miei martiri sol per pietà.

Оставь меня оплакивать мою жестокую судьбу и вздыхать о свободе.Пусть скорбь хотя бы из жалости разрушит узы,терзающие меня.

Алессандро Скарлатти родился на Сицилии, в Палермо.  В Риме композитор вошел в так называемую «Аркадскую академию» — содружество поэтов и музыкантов, созданное как центр защиты итальянской поэзии и красноречия от условностей напыщенного и вычурного искусства XVII в. В академии Скарлатти и его сын Доменико встречались с А. Корелли, Б. Марчелло, молодым Г. Ф. Генделем и иногда соперничали с ними. С 1683 г. Скарлатти обосновался в Неаполе. Там он работал сначала капельмейстером театра Сан-Бартоломео, а с 1684 по 1702 гг. — королевским капельмейстером. Одновременно он иисал музыку для Рима. В 1702-08 и в 1717-21 гг. композитор жил то в Риме, то во Флоренции, где ставились его оперы.  В наши дни творческая активность Скарлатти представляется поистине фантастической. Он сочинил около 125 опер, свыше 600 кантат, не менее 200 месс, множество ораторий, мотетов, мадригалов, оркестровых и других произведений .  Он опирался на традиции венецианской оперы, римской и флорентийской музыкальных школ, обобщив главные тенденции итальянского оперного искусства рубежа XVII-XVIII вв.

Инструментальная часть концерта «Жемчужины барокко» представлены музыкой И.С. Баха Partita для клавиатуры № 6 ми минор , BWV 830 в исполнении Нины головой. Это  сюита из семи движений , написанных для клавесина по Иоганна Себастьяна Баха . Она была опубликована в 1731 году и как отдельное произведение , и как часть Баха клавир-Убунг I. Эта партитура состоит из семи движений все в Е — миноре :

  1. токката
  2. Allemande
  3. Corrente
  4. Воздух
  5. Сарабанда
  6. Темп ди gavotta
  7. Жига

Сохранившаяся рукопись, в основном написано Бахом племянника Иоганн Генрих Бах, была приурочена к 1725 году; клавесина части этих двух движений были написаны самим Бахом. BWV 830 является последним сюита Баха клавир-Убунг I , в первую музыку , опубликованную Баха в его жизни.

Вокальную часть продолжат произведения Джордани Caro mio ben, Скарлатти ария «Доброму сердцу поверь» и Моцарт ария Керубино из оперы «Свадьба Фигаро» в исполнении Татевик Геворгян и Нины Головой.

Благодарим за участие !

Выставка «Начинаем гимнастику» — музыка для занятий ритмикой — ко Дню физкультурника

День физкультурника — это праздник не только спортсменов, тренеров, преподавателей физической культуры, но и всех, кто ведет здоровый образ жизни и пропагандирует спорт.
Самый первый праздник, «День физкультурника», был проведён в 1939 году 18 июля.
А вот в 2020 году «День физкультурника» в России выпадает на 8 августа. Дата каждый год меняется, так как этот праздник традиционно отмечают во вторую субботу последнего летнего месяца.
 Так постановил Указ «О праздничных и памятных днях», подписанный ещё в 1980 году.
По сложившийся традиции на период торжества «Дня физкультурника» во всех городах России проводятся спортивные мероприятия: соревнования по гиревому спорту, лёгкой атлетике, перетягиванию каната, волейболу, футболу, разнообразные эстафеты с участием семейных команд и другие показательные выступления.
Занятие спортом сегодня становится нормой жизни. Спорт несет людям здоровье, силу, красоту, позитив, закаляет характер и учит преодолевать трудности. Физкультура и спорт являются важными составляющими решения многих социальных проблем в воспитании молодежи, повышении ее физической и нравственной культуры.
Музыкально-нотный отдел ЦГБ им. М. Горького подготовил для Вас выставку «Начинаем гимнастику» — музыку для занятий ритмикой —  ко Дню физкультурника.
Для Вашего внимания мы предлагаем нотные сборники с ритмической танцевальной музыкой для молодёжи, методические пособия по ритмике для учащихся и преподавателей ДМШ и ДШИ, музыкальные сопровождения для уроков народного танца, хрестоматия по сольфеджио и ритмике, практические пособия для хореографических училищ, музыкально-спортивные композиции, ритмическую азбуку и другие пособия.

Материал подготовила Рычкова Г. В.

Виртуальный кинозал: «Учитель музыки» 1983г.

Предлагаем к просмотру художественный фильм из собрания Гостелерадиофонда России «Учитель музыки» Азербайджанфильм по заказу Гостелерадио СССР, 1983 г. Увлекательный и жизнерадостный телефильм, насыщенный яркой запоминающейся музыкой и песнями о молодом учителе музыки . Картина повествует о молодом учителе музыки, который прибыл в отдалённую горную деревню. Он начинает преподавать в местной школе урок музыки, где знакомит детей с музыкальным миром и заставляет поверить, что у каждого человека есть своя музыка, отражающая индивидуальный характер жизни каждого человека.

Беседа-интервью «Вопросы к учителю»

Друзьями и постоянными читателями нашего отдела за долгие годы работы стали учителя музыки г.Ростова-на-Дону. Мы предложили ответить им на наши вопросы, основная тема которых — что же такое детское музыкальное обучение, какова его роль для развития ребенка в современных реалиях. В День специалиста публикуем наиболее интересные ответы педагогов: Н.И.Горбовой, А.А.Колонтаевой и др.

Насколько важно музыкальное образование для развития ребенка?
– Смотря, какую задачу люди перед собой ставят. Все определяют намерения. Понимает ли человек, что перед ним ребенок, что это – многогранная личность?
Что развивает, например, школа – в основном интеллект человека. Но если делать акцент только на интеллекте, то получаются люди, которые потом не понимают самих себя. Музыка призвана раскрыть человеку его самого, его эмоции, его душу. Скажем так, она – определяющая. С точки зрения восточных философских учений – сердце, духовный центр человека гораздо более значимы. А интеллект только обрабатывает те чувства, которые ему приходят. И поэтому это очень важно.
Знание своих чувств, эмоций, умение этим управлять – вот что дает музыка. Потому что она очень глубоко уводит туда, потому что она рождена из этого. Она рождена для этого – чтобы человек мог выражать себя.
Во-вторых, музыка рождает в человеке стремление к творчеству. Если у человека открыт творческий центр, открыт этот поток творчества, тогда он будет применять это везде абсолютно. Что бы он ни делал, это будет проникнуто не банальностью.
Поэтому, музыка как раз очень помогает развитию ребенка. В принципе, это такой объемный вопрос, что здесь можно еще очень много говорить.

Все ли дети могут учиться музыке? Нужны ли для этого какие-то особые способности?
– Если мы говорим, что человек призван развивать себя, он приходит на эту землю, для того чтобы стать лучше, соответственно, причем тут способности? Это уже, скажем так, выбор профессии – есть ли у тебя какие-то особые способности, и раздирает ли тебя самого так, что ты понимаешь – это твоя жизнь. А для того чтобы включить у себя поток творчества, для того чтобы быть просто человеком, который понимает, что такое культура, история, что такое он сам – учиться музыке однозначно должны все. Просто, может быть, до определенного периода.

С какого возраста можно начинать учить ребенка музыке?
– Ну, мы вот сейчас учим с полутора лет. И это совершенно удивительно, потому что музыка входит в них, как с молоком матери. Во-первых, потому что дети действительно занимаются вместе с родителями.
А во-вторых, для них это очень свойственно – радоваться, познавать, играть. Для детей звуки и самовыражение становятся абсолютно естественны. И поэтому, допустим, когда потом их видят в 5-6 лет и говорят: «боже мой, почему они совершенно не боятся сцены?» А почему они ее должны боятся? Для них сцена – то же самое творчество. И они не боятся людей. Ведь почему человек боится сцены? Потому что он боится людей, он боится оценки.
А когда они выходят на сцену… Это невероятно трогательно – когда выходят двухлетние – они абсолютно свободны, они с такой радостью смотрят в зал. Человек, когда в 4 года выходит – он и зал это уже некая такая дистанция. А двухлетний… для него: что есть зал, что нет зала… это просто люди, которые почему-то радуются, и он тоже с ними радуется. И у них пропадает страх оценки. И поэтому, когда дети выходят на сцену – они творят самозабвенно, потому что они еще чувствуют, что их творчество еще кому-то нужно.
Поэтому, чем раньше – тем лучше. Если мы хотим развить творческое мышление, то тут у детей еще нет ни каких препон. Даже более того, в них это так сильно, что ты у них начинаешь учиться. Потому что ведь наше мышление во многом закомплексовано, мы чего-то знаем – как ремесленники, но… Когда смотришь на ребенка, понимаешь – на самом деле, это ты у него еще учишься.

Как изменилось отношение родителей к музыкальному обучению за последние годы (10 лет)?
– Да, оно изменилось. Во-первых, гораздо меньше людей стало желать, чтобы дети вообще шли в эту профессию. Потому что в нашем Российском обществе, социальный статус музыкантов достаточно сложен. Как, в принципе, вообще людей, связанных с гуманитарным направлением. Поэтому заниматься музыкой профессионально, серьезно, люди сейчас хотят гораздо меньше.
Во-вторых, родители теперь знают, что занятия музыкой действительно помогают ребенку в том, о чем я уже говорила. Следующий наш этап – убедить их, что заниматься музыкой профессионально нужно не для того, чтобы выбрать эту профессию в будущем, а для того чтобы человек вообще развивался как многогранная личность.
Музыка – это ведь очень сложное искусство, это очень тонкое искусство. Ты не познаешь его тайны, если не будешь этим серьезно заниматься. И это приучает ребенка заниматься серьезно всем, чем он хочет заниматься в жизни.
Поэтому у нас сейчас другой этап: убедить людей, что профессиональные занятия музыкой нужны, прежде всего, самому ребенку.

В ДМШ многие дети бросают учебу. Как сохранить интерес у ребенка?
– Есть определенные возрастные этапы, например – 7 лет, 10 лет. В 7 лет ребенок впервые задумывается: а хочет ли он сам, или это родители хотят, чтобы он этим занимался – любым делом. В 10 лет возникает еще более серьезный вопрос: а что собственно хочет сам ребенок.
А потом ведь занятия музыкой – это серьезный труд. Готовы ли дети трудиться? Так что, научить детей трудиться – это особая какая-то наша забота. Но, кстати, это и забота родителей.
Я думаю, то, что дети в какой-то момент перестают заниматься – это всегда было и всегда будет. И ничего тут особенно не сделаешь – это дети. Они растут, им что-то нужно другое. Мы за несколько лет ему дали очень много того, что, может быть, никакая другая структура ему больше никогда не даст. И если они говорят, что мы заложили какие-то очень серьезные вещи в них, в их понимание мира -это радует.
Вот девочка всю жизнь мечтала, она хочет и понимает, что это ее судьба – быть дизайнером. Нельзя ее останавливать, она должна идти за своей мечтой! Другое дело, что я уверена: все, что она познала в музыке – она воплотит в своей профессии.

Какими главными качествами должен обладать педагог-музыкант, работающий с ребенком?
– Горение. Должен очень любить музыку. По-настоящему. Ему это должно быть не просто приятно, а он должен чувствовать суть музыки. И умение передать это, зажечь в другом человеке этот огонь. Если он «зажжет» человека – не важно, какими руками он это сыграет, не важно, как он это споет. Главное – это духовный огонь, который передается от человека к человеку через звуки, через такую сферу, как музыка.
Потом, ведь музыка – это очень тонкая структура. Тут еще мало обвинять музыкальную школу или учителя – далеко не каждая душа способна, готова понять этот уровень. Поэтому, мы видим даже определенную свою миссию: помогать людям не забывать о душе.

На какой незаданный вопрос Вы бы хотели ответить (или дать комментарий)?
– Наверное, не вопрос, а скорее сожаление, что в данный момент наше общество находится в такой стадии, когда понятие искусства – уходит. Вообще, понятия хорошей живописи, хороших стихов, хорошей прозы, литературы – это вроде бы удел таких странных людей, которые сами себе чего-то там хотят и занимаются этим. Это очень жалко, потому что искусство – это не какая-то узкая область, а вообще работа с духом человека, его душой.
То, что видят по телевидению наши дети и родители в том числе (кстати, подрастает уже такое поколение родителей, которые уже тоже безграмотны), видят суррогат попсы – это не искусство, это не душа и не дух человека. Все упирается в это. Когда ты открываешь человеку другую область познания мира и самого себя через вот такие вещи – это очень здорово. И за это мы радеем: чтобы как можно больше людей об этом, по крайней мере, задумывалось.